Es una de las bandas más grandes de rock, por ello te traemos esta lista de 10 canciones más escuchas de System of a Down.
10. “Cigaro”: Una Sátira Mordaz del Poder y la Hipocresía
El tema que se incluye en el álbum “Mezmerize”, publicado en el 2005.
“Cigaro”, una de las canciones más provocativas y enérgicas de System of a Down, es una pista que combina la intensidad del metal con letras mordaces y satíricas. Lanzada como parte del álbum “Mezmerize” en 2005, “Cigaro” se destaca por su crítica feroz hacia la hipocresía y el poder.
Contexto del Álbum
“Mezmerize” es la primera mitad de un álbum doble, seguido por “Hypnotize” en el mismo año. Ambos álbumes reflejan la preocupación de la banda por temas sociales y políticos, un sello distintivo de su música. “Cigaro” es una representación perfecta de este enfoque, utilizando su estilo musical agresivo para subrayar su mensaje.
Análisis de la Canción
Desde el primer acorde, “Cigaro” atrapa al oyente con un riff de guitarra poderoso y una batería contundente. La estructura de la canción es rápida y directa, con cambios de ritmo que mantienen la energía alta.
Las letras, escritas por el vocalista Serj Tankian y el guitarrista Daron Malakian, no dejan espacio para la ambigüedad. La línea inicial, “Mi polla es mucho más grande que la tuya” es una declaración provocativa que establece el tono de la canción. A través de esta metáfora exagerada, la banda critica a los líderes mundiales y figuras de autoridad que, según ellos, utilizan su poder de manera ostentosa y egoísta.
9. “Prison Song” de System of a Down: Una Crítica Feroz al Sistema de Justicia Penal
“Prison Song” es una de las pistas más emblemáticas de System of a Down, lanzada en su segundo álbum de estudio, “Toxicity”, en 2001. La canción destaca por su intensa crítica al sistema de justicia penal de Estados Unidos y su tratamiento de la guerra contra las drogas. Con su combinación de riffs poderosos, cambios de ritmo abruptos y letras mordaces, “Prison Song” es un testimonio del estilo único de la banda y su compromiso con temas sociales y políticos.
Contexto del Álbum
“Toxicity” es ampliamente considerado uno de los mejores álbumes de nu-metal y rock alternativo de principios de los 2000. Producido por Rick Rubin, el álbum consolidó a System of a Down como una de las bandas más influyentes de la época. “Prison Song” es la pista de apertura del álbum, marcando el tono con su energía cruda y su mensaje contundente.
Análisis de la Canción
Desde el primer acorde, “Prison Song” captura al oyente con un riff de guitarra agresivo y la distintiva voz de Serj Tankian. La estructura de la canción alterna entre versos rápidos y agresivos y coros melódicos y pegadizos, una característica estilística de la banda.
Las letras, escritas por Tankian y el guitarrista Daron Malakian, ofrecen una crítica incisiva al sistema de justicia penal y la política de drogas en Estados Unidos. La línea “Están tratando de construir una prisión para que tú y yo vivamos” resuena como un llamado de atención sobre el encarcelamiento masivo y la criminalización de la pobreza y las drogas.
- crítica Social y Política: “Prison Song” aborda temas como el encarcelamiento masivo, la corrupción gubernamental y las políticas fallidas de la guerra contra las drogas. La banda destaca cómo estas políticas han llevado a un aumento significativo en la población carcelaria, particularmente entre las minorías.
- Estadísticas Impactantes: Las letras mencionan que “el 65% de la población carcelaria es adicta a las drogas”. Si bien esta cifra es parte de la crítica general de la banda, refleja una verdad preocupante sobre la relación entre el consumo de drogas y el encarcelamiento.
- Uso de Samples: La canción incluye un sample de un discurso de Peter Jennings, un famoso presentador de noticias de ABC, sobre la guerra contra las drogas. Esto añade una capa de autenticidad y gravedad al mensaje de la canción.
El tema fue incluido en la colección Visions: All Areas Volume 19.
8. “War?”: Un Grito de Protesta Contra la Guerra
“War?” es una de las canciones más contundentes y poderosas del álbum debut homónimo de System of a Down, lanzado en 1998. La banda, conocida por su mezcla única de metal, rock alternativo y letras politizadas, utiliza esta canción para expresar su rechazo a la guerra y a la violencia que genera.
A través de riffs agresivos, ritmos frenéticos y una lírica cargada de significado, “War?” se establece como una de las piezas más emblemáticas de la banda.
Contexto del Álbum
El álbum debut de System of a Down, producido por Rick Rubin, presentó al mundo el sonido distintivo de la banda: una mezcla de metal pesado, ritmos complejos y letras políticamente cargadas. “War?” destaca como una de las pistas más intensas del álbum, encapsulando la energía cruda y la pasión de la banda por abordar temas relevantes y controversiales.
Análisis de la Canción
“War?” inicia con un riff de guitarra poderoso y un ritmo de batería implacable, creando una atmósfera de urgencia y agresión. La voz de Serj Tankian alterna entre gritos desgarradores y melodías más suaves, reflejando la dualidad del tema de la canción.
Las letras, escritas por Tankian, abordan el tema de la guerra desde una perspectiva crítica y reflexiva. La línea “Nosotros lucharemos contra los paganos” se repite a lo largo de la canción, destacando la ironía de cómo la guerra se justifica a menudo bajo pretextos religiosos o morales. La canción cuestiona las verdaderas motivaciones detrás de los conflictos bélicos y condena el sufrimiento que causan.
- Crítica a la Guerra: “War?” es una declaración directa contra la guerra y la violencia. La banda critica la manera en que los líderes políticos y religiosos manipulan a las masas para justificar los conflictos armados.
- Referencias Históricas y Culturales: La canción hace referencia a diferentes aspectos históricos y culturales relacionados con la guerra. La banda ha mencionado en entrevistas que su herencia armenia y la historia del genocidio armenio han influido en su perspectiva sobre la guerra y la violencia.
- Estilo Musical Único: La mezcla de riffs de guitarra rápidos y pesados con cambios de ritmo abruptos y la voz versátil de Tankian es una muestra del estilo característico de System of a Down. Esta combinación crea una sensación de caos controlado que refleja el tema de la canción.
7. “Question!”: Exploración Existencial a Través del Metal
“Question!” es una de las pistas más intrigantes y emocionalmente cargadas del álbum “Mezmerize” de System of a Down, lanzado en 2005. Con su distintiva mezcla de agresividad musical y letras profundas, la canción destaca por su capacidad para abordar cuestiones filosóficas y existenciales de una manera que resuena con los oyentes. A través de cambios de ritmo abruptos, melodías complejas y letras poéticas, “Question!” se establece como una joya en la discografía de la banda.
Contexto del Álbum
“Mezmerize” es el cuarto álbum de estudio de System of a Down y la primera parte de un álbum doble, seguido por “Hypnotize” en el mismo año. Este álbum continúa el legado de la banda de abordar temas sociales, políticos y filosóficos a través de su música única y provocativa. “Question!” se encuentra entre las canciones más destacadas del álbum, mostrando la habilidad de la banda para mezclar agresividad y melodía de manera efectiva.
Análisis de la Canción
“Question!” comienza con un suave y melódico rasgueo de guitarra, que rápidamente da paso a un ritmo más agresivo y un riff contundente. La canción alterna entre segmentos melódicos y secciones más pesadas, una característica típica del estilo de System of a Down. La voz de Serj Tankian, junto con los coros de Daron Malakian, añade una capa de intensidad emocional a la canción.
Las letras de “Question!” son enigmáticas y poéticas, abordando temas de vida, muerte y la naturaleza cíclica de la existencia. La línea “Las bayas dulces listas para dos fantasmas no son diferentes a ti” sugiere una reflexión sobre la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte, planteando preguntas sobre el propósito y el significado de nuestra existencia.
- Lírica Filosófica: “Question!” se distingue por sus letras profundas y filosóficas. La canción aborda temas de vida, muerte y renacimiento, reflejando las influencias espirituales y existenciales de los miembros de la banda.
- Cambios de Ritmo y Melodía: La canción es un excelente ejemplo del estilo de System of a Down, que combina segmentos melódicos con explosiones de intensidad. Estos cambios de ritmo subrayan la dualidad del mensaje de la canción.
- Producción de Rick Rubin: El álbum “Mezmerize” fue producido por Rick Rubin, conocido por su habilidad para captar la esencia de la banda y amplificar su sonido característico. La producción de “Question!” resalta tanto los momentos suaves como los más agresivos, creando un equilibrio perfecto.
- Vídeo Musical: El vídeo de “Question!” es igualmente enigmático y visualmente impactante, dirigido por el aclamado director Howard Greenhalgh. Utiliza imágenes surrealistas y simbolismo para complementar el tono filosófico de la canción.
Descripción del videoclip
En la escena del video se muestra a un niño disparándole con una honda a un pájaro rojo, y luego se observa a la banda tocando música para una obra teatral.
Esta obra narra una historia de dos amantes, el hombre con traje oscuro y la mujer con vestido rojo que colapsa luego de comer una baya, y el hombre se lamenta, al final se muestra a una mujer teniendo a un recién nacido envuelto en una manta roja.
Este tema interpreto para muchos la encarnación. Fue un éxito total.
6. “Lonely Day”: La Belleza Melancólica de la Soledad
“Lonely Day” es una de las canciones más emotivas y melódicas de System of a Down, lanzada como parte de su quinto álbum de estudio, “Hypnotize”, en 2005. Esta balada de rock se distingue por su tono melancólico y su introspectiva lírica, ofreciendo una pausa reflexiva en medio del característico estilo agresivo de la banda.
Escrita por el guitarrista Daron Malakian, “Lonely Day” captura la esencia de la soledad y el dolor, convirtiéndose en una de las canciones más personales y conmovedoras del repertorio de la banda.
Contexto del Álbum
“Hypnotize” es la segunda parte del álbum doble “Mezmerize/Hypnotize”, ambos lanzados en 2005. Mientras que la mayoría de las canciones de estos álbumes abordan temas políticos y sociales con un enfoque agresivo, “Lonely Day” se destaca por su enfoque más personal y emocional.
La canción fue lanzada como el segundo sencillo del álbum y recibió una nominación al Grammy por Mejor Interpretación de Hard Rock.
Análisis de la Canción
“Lonely Day” se abre con un delicado rasgueo de guitarra acústica, acompañado por la voz suave pero poderosa de Malakian. A medida que la canción progresa, se añaden capas de guitarra eléctrica y una batería sutil que incrementa la intensidad emocional. La canción se construye hacia un solo de guitarra conmovedor que refleja la desesperación y la belleza de la soledad.
Las letras, escritas por Malakian, son sencillas pero profundamente evocadoras. La línea “Un día tan solitario y es mío. El día más solitario de mi vida” encapsula el sentimiento de aislamiento y el reconocimiento de que este dolor pertenece únicamente al individuo. La repetición de “and if you go, I wanna go with you” añade una capa de deseo y conexión humana en medio de la soledad.
- Origen Personal: Daron Malakian ha mencionado que “Lonely Day” está inspirada en experiencias personales de soledad y pérdida. La canción refleja sus sentimientos durante un período particularmente difícil de su vida.
- Contraste Musical: A diferencia de muchas otras canciones de System of a Down, que presentan ritmos frenéticos y letras cargadas políticamente, “Lonely Day” es una balada que destaca por su simplicidad y emotividad, mostrando la versatilidad de la banda.
- Videoclip Cinematográfico: El vídeo musical de “Lonely Day” fue dirigido por el reconocido director Shavo Odadjian, bajista de la banda. El video utiliza una estética sombría y escenas urbanas desoladas para complementar el tono melancólico de la canción.
Contiene letras melancólicas y con uno de los solos de guitarra mas complejos de System of a Down. El tema recibió una nominación a la Mejor Interpretación de Hard Rock en la 49 ª anual de los premios Grammy.
5. “Aerials”: Una Reflexión Profunda Sobre la Existencia Humana
“Aerials” es una de las canciones más reconocidas y aclamadas de System of a Down, lanzada como el tercer sencillo de su segundo álbum de estudio, “Toxicity”, en 2001. La canción se destaca por su melodía hipnótica, letras introspectivas y una producción impecable que ha capturado la atención de fanáticos y críticos por igual. Con su combinación de elementos melódicos y pesados, “Aerials” ofrece una meditación sobre la vida, la identidad y la conexión humana.
Contexto del Álbum
“Toxicity” es considerado uno de los álbumes más importantes de la banda y del género nu-metal. Producido por Rick Rubin, el álbum presenta una mezcla ecléctica de estilos, desde el metal más pesado hasta melodías más accesibles y radiofónicas. “Aerials” es un excelente ejemplo de esta versatilidad, destacándose como una balada poderosa y reflexiva que cierra el álbum con una nota trascendental.
Análisis de la Canción
“Aerials” comienza con un riff de guitarra etéreo y un bajo profundo que establece un tono contemplativo. La voz de Serj Tankian entra con una suavidad que contrasta con la intensidad de otras canciones del álbum, creando una atmósfera introspectiva. A medida que la canción progresa, se añaden capas de guitarra y una percusión meticulosa que incrementan la profundidad emocional de la pista.
Las letras, escritas por Tankian y el guitarrista Daron Malakian, exploran temas de identidad y la búsqueda de significado en un mundo complejo. La línea “La vida es una cascada, somos uno en el río y uno nuevamente después de la caída” utiliza metáforas naturales para ilustrar la conexión entre todos los seres humanos y la ciclicidad de la vida. La canción sugiere que, a pesar de las diferencias superficiales, todos compartimos una esencia común.
- Éxito en las Listas: “Aerials” alcanzó el número uno en la lista Billboard Mainstream Rock Tracks y el número 55 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos comerciales de la banda.
- Video Musical Impactante: El video de “Aerials”, dirigido por Shavo Odadjian y David Slade, presenta imágenes surrealistas que complementan el tono filosófico de la canción. El video incluye la figura de un niño con un rostro inusualmente maduro, simbolizando la sabiduría y la conexión con el universo.
- Instrumentación Única: La canción se distingue por su uso de instrumentos orquestales, que se mezclan con la guitarra eléctrica y la batería para crear una textura sonora rica y envolvente.
La canción fue nominada al Grammy a la mejor interpretación de har rock en 2003, además alcanzo el primer lugar en las listas Mainstream Rock Tracks y Hot Modern Rock Tracks de Billboard.
4. “Sugar”: Un Himno Caótico y Provocador
“Sugar” es una de las canciones más emblemáticas y energéticas de System of a Down, lanzada como el primer sencillo de su álbum debut homónimo en 1998. Con su estilo frenético, letras enigmáticas y una actitud desafiante, la canción encapsula perfectamente la esencia de la banda y su capacidad para mezclar agresividad con un mensaje potente. “Sugar” se ha convertido en un himno tanto para los fanáticos del metal como para aquellos que aprecian la música que desafía las normas y provoca reflexión.
Contexto del Álbum
El álbum debut de System of a Down, producido por Rick Rubin, marcó el inicio de una carrera que revolucionaría el género del metal. Con influencias que van desde el punk hasta la música armenia, el álbum se caracteriza por su diversidad estilística y su intensidad. “Sugar” es la tercera pista del álbum y destaca por su energía explosiva y su estructura poco convencional.
Análisis de la Canción
“Sugar” comienza con un riff de guitarra contundente y un ritmo de batería implacable, estableciendo un tono agresivo desde el principio. La voz de Serj Tankian alterna entre gritos furiosos y pasajes más melódicos, creando una sensación de caos controlado que es característica del estilo de la banda.
Las letras de la canción son abstractas y abiertas a la interpretación. La línea “La gente del hongo kombucha, sentada todo el día” sugiere una crítica a la pasividad y el conformismo en la sociedad. A lo largo de la canción, hay referencias a la adicción, la manipulación mediática y la alienación, temas recurrentes en la obra de System of a Down.
- Origen del Título: Según los miembros de la banda, el título “Sugar” se refiere a la dulzura superficial que esconde una realidad más amarga y compleja, una metáfora que se refleja en la música y las letras de la canción.
- Impacto en Vivo: “Sugar” es una de las canciones más populares en los conciertos de System of a Down. Su energía bruta y su estribillo pegadizo la convierten en un favorito del público, creando momentos de intensa conexión y liberación emocional durante las presentaciones en vivo.
- Video Musical Provocador: El video de “Sugar”, dirigido por Nathan “Karma” Cox, es igualmente caótico y visualmente impactante. Utiliza imágenes de noticiarios y escenas de disturbios para complementar el tono rebelde de la canción, subrayando su mensaje de crítica social.
Shavo: “Es una canción bastante completa, habla de política, de sexo, de la vida, de esas cosas pequeñas que nos pasan día a día. Es nuestra mejor canción en la historia”
La energía de la melodía y la lírica de este tema es único del estilo del grupo. La canción aparece en el juego Madden NFL 10 y es uno de los grandes éxitos de la banda.
3. “BYOB”: Una Crítica Feroz a la Guerra y la Hipocresía
“B.Y.O.B.” (Bring Your Own Bombs) es una de las canciones más explosivas y políticamente cargadas de System of a Down. Lanzada como el primer sencillo de su álbum “Mezmerize” en 2005, la canción es una crítica mordaz a la guerra, el consumismo y la hipocresía gubernamental. Con su estilo agresivo, cambios de ritmo vertiginosos y letras contundentes, “B.Y.O.B.” se ha consolidado como uno de los himnos más poderosos de la banda.
Contexto del Álbum
“Mezmerize” es el cuarto álbum de estudio de System of a Down, y junto con su álbum complementario “Hypnotize”, representa uno de los trabajos más ambiciosos de la banda. Producido por Rick Rubin y Daron Malakian, “Mezmerize” explora una variedad de temas políticos y sociales a través de su distintivo sonido metalero mezclado con influencias armenias y rock progresivo. “B.Y.O.B.” destaca como una de las canciones más directas y agresivas del álbum.
Análisis de la Canción
“B.Y.O.B.” comienza con un riff de guitarra rápido y contundente, acompañado por una batería frenética que establece un tono de urgencia y rabia. La voz de Serj Tankian entra con una agresividad característica, mientras que Daron Malakian proporciona un contraste con sus melodías más suaves durante los estribillos. Esta dinámica crea una tensión constante que mantiene al oyente al borde.
Las letras de “B.Y.O.B.” son una denuncia abierta de la guerra de Irak y la hipocresía de los líderes políticos que envían a jóvenes a luchar mientras ellos permanecen seguros y alejados del conflicto. La línea “¿Por qué siempre envían a los pobres?” repite este sentimiento, subrayando la injusticia y el sacrificio desigual en tiempos de guerra. La canción también critica el consumismo desenfrenado y la superficialidad de la sociedad moderna.
- Premios y Reconocimientos: “B.Y.O.B.” ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Hard Rock en 2006. La canción fue elogiada por su valentía lírica y su complejidad musical.
- Video Musical Provocador: El video de “B.Y.O.B.”, dirigido por Jake Nava, es una representación visual de las temáticas de la canción, con imágenes de soldados marchando y escenas de una fiesta distópica que simbolizan la desconexión entre la realidad de la guerra y la indiferencia del consumo.
- Innovación Musical: La canción es conocida por sus abruptos cambios de ritmo y estilo, pasando de secciones agresivas a estribillos más melódicos. Esta estructura refleja el caos y la incoherencia que System of a Down ve en la política de guerra.
Se convirtió en la única canción en ingresar entre las 40 primeras posiciones de Billboard, Modern Rock Tracks y Mainstream Rock Tracks.
2. “Toxicity”
“Toxicity” es más que una canción; es el título del segundo álbum de estudio de System of a Down, lanzado en 2001, que definió una era en el mundo del metal alternativo. Con su mezcla única de metal, punk, y elementos de música tradicional armenia, el álbum lleva a los oyentes a un viaje sonoro y lírico que desafía las convenciones y provoca reflexión. Desde su lanzamiento, “Toxicity” ha sido aclamado como uno de los álbumes más influyentes de la década, estableciendo a System of a Down como una de las bandas más originales y provocativas de su generación.
Contexto del Álbum
“Toxicity” fue el seguimiento del álbum debut homónimo de la banda, que ya había ganado atención crítica y comercial. Producido nuevamente por Rick Rubin, el álbum llevó el sonido de System of a Down a nuevas alturas, explorando una variedad de temas políticos y sociales con una intensidad y una profundidad que resonaron con audiencias de todo el mundo. “Toxicity” es un testimonio de la capacidad de la banda para fusionar distintos estilos musicales con letras provocativas y un enfoque apasionado.
Análisis de la Canción
“Toxicity“, la canción que da nombre al álbum, es una explosión de energía desde el principio hasta el final. Comienza con un riff de guitarra abrasador y una batería frenética que establece un ritmo implacable. La voz distintiva de Serj Tankian, que oscila entre el canto melódico y los gritos desgarradores, añade una capa adicional de intensidad emocional a la canción. Las letras de “Toxicity” exploran temas de alienación, corrupción y el lado oscuro de la sociedad moderna, invitando a los oyentes a cuestionar el mundo que los rodea.
Fue escrito por Serj Tankian, en el video musical se muestran a personas en las calles de una ciudad, y los torsos de las personas con un reflejo de un proyector mientras tocan. Malakian declaro que el tema trata sobre el trastorno de déficit de atención con hiperactividad.
- Recepción Crítica y Comercial: “Toxicity” fue aclamado por la crítica y alcanzó un gran éxito comercial. Debutó en el número uno en la lista Billboard 200 y vendió más de 220,000 copias en su primera semana. El álbum recibió múltiples certificaciones de platino en todo el mundo y continúa siendo uno de los álbumes más vendidos de System of a Down.
- Premios y Reconocimientos: “Toxicity” recibió una nominación al premio Grammy por Mejor Interpretación de Hard Rock en 2002. La canción y el álbum en su conjunto fueron elogiados por su innovación musical y su capacidad para abordar temas sociales y políticos de manera provocativa.
La canción ocupo el puesto 14 en el escalón de VH1 de las mejores 40 canciones de metal.
1. “Chop Suey!” Himno Oficial
“Chop Suey!” es una canción de la banda estadounidense de metal alternativo System of a Down. Fue lanzada en agosto de 2001 como el primer sencillo de su segundo álbum de estudio, Toxicity. La canción se ha convertido en una de las más emblemáticas de la banda y ha recibido numerosos elogios tanto de críticos como de fans. Aquí te proporciono información detallada y verificada sobre “Chop Suey!”:
Composición y Letra
La estructura de “Chop Suey!” es tan única como su título. Compuesta por Daron Malakian y Serj Tankian, la canción destaca por sus cambios abruptos de ritmo y tono, que van desde secciones suaves y melódicas hasta explosiones de intensidad pura.
La letra es un mosaico de imágenes poderosas y referencias religiosas implícitas, abordando temas de autodestrucción, martirio y la búsqueda de comprensión. La línea “I don’t think you trust in my self-righteous suicide” encapsula la lucha interna y el deseo de redención, mientras que el cierre de la canción, con la frase “Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu” evoca la crucifixión de Cristo, añadiendo una capa de profundidad espiritual.
Temas Principales:
- Autodestrucción y Redención: La letra toca temas de autolesión y el deseo de redención. La línea “I don’t think you trust in my self-righteous suicide” sugiere una lucha interna y una búsqueda de comprensión y perdón.
- Religión y Martirio: Hay referencias religiosas implícitas, especialmente en la sección final de la canción, donde se mencionan pasajes que recuerdan a la crucifixión de Cristo (“Father, into your hands, I commend my spirit”).
Recepción y Impacto
- Crítica: “Chop Suey!” recibió críticas positivas por su complejidad musical y su intensidad emocional. La revista Rolling Stone la incluyó en su lista de “Las 100 mejores canciones del siglo XXI”.
- Comercial: Alcanzó el puesto número 76 en el Billboard Hot 100 y el número 7 en el UK Singles Chart. La canción también fue certificada como Platino en los Estados Unidos.
- Cultural: Se convirtió en un himno de la banda y un clásico del género nu metal. Su video musical ha acumulado millones de visitas en YouTube y sigue siendo popular en las plataformas de streaming.
Controversia
El lanzamiento de “Chop Suey!” coincidió con los atentados del 11 de septiembre de 2001. Debido a sus referencias a la autodestrucción y el suicidio, la canción fue temporalmente retirada de varias estaciones de radio estadounidenses, lo que provocó cierta controversia. Sin embargo, esto no detuvo su éxito a largo plazo.
Curiosidades
- Título: Originalmente, la canción se iba a llamar “Suicide” (Suicidio), pero fue cambiado a “Chop Suey!” como un juego de palabras, y para evitar controversias directas.
- Premios: Ganó el premio Kerrang! a la Mejor Canción en 2002.
“Chop Suey!” fue recibida con entusiasmo tanto por críticos como por fanáticos. La revista Rolling Stone la incluyó en su lista de “Las 100 mejores canciones del siglo XXI”, destacando su complejidad y emotividad. Comercialmente, la canción alcanzó el puesto número 76 en el Billboard Hot 100 y el número 7 en el UK Singles Chart, además de ser certificada como Platino en los Estados Unidos.
Su video musical, dirigido por Marcos Siega, muestra a la banda tocando en un aparcamiento rodeada por fanáticos, capturando la energía y la conexión visceral entre la banda y su audiencia.
“Chop Suey!” sigue siendo una de las canciones más reconocibles y queridas de System of a Down, destacando no solo por su impacto musical sino también por su capacidad para abordar temas profundos y complejos a través de su letra y composición.
Se considera este tema como la canción insignia de la banda.
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